Durante demasiado tempo, Julia June procurou nos outros palavras que lhe dessem segurança, confiança ou respostas. “Who?” nasceu quando essa procura mudou de direção. A pergunta deixou de ser feita ao mundo e passou a ser dirigida a si própria: se não mudar a minha própria realidade, quem o fará?
Mas a canção não é um manifesto de solidão nem uma declaração de que não precisamos de ninguém. É, antes, uma reflexão sobre responsabilidade, autonomia e sobre o momento em que percebemos que podemos aceitar ajuda sem entregar aos outros a direção da nossa vida.
Em conversa com a Música Total, Julia June fala sobre a construção de “Who?”, a relação criativa com o produtor ED universe, a transformação das canções quando passam para o palco e o novo EP que está a ganhar forma entre eletrónica, instrumentos ao vivo, vozes mais agressivas e uma crescente ligação entre música e imagem.
“Who?” nasceu de um momento em que procuravas respostas nos outros e acabaste por perceber que tinhas de escrever essas respostas para ti própria. O que aconteceu nesse processo de mudança?
Acho que, a certa altura, percebi que, durante demasiado tempo, estive à espera que alguém de fora me dissesse exatamente as palavras de que eu precisava. Que me apoiasse da forma certa, me desse uma sensação de segurança e confiança ou resolvesse as minhas dúvidas. Mas ninguém consegue conhecer-nos assim tão profundamente.
“Who?” nasceu no momento em que essa pergunta se virou de volta para mim: se eu própria não mudar a minha realidade, quem o fará?
Para mim, não é uma canção no sentido de «não preciso de ninguém». É mais sobre não entregar a outras pessoas a responsabilidade por aquilo em que nos tornamos e pela direção que escolhemos seguir.
A frase “if I don’t change my own reality, who will?” parece estar no centro da canção. Hoje, a tua resposta a essa pergunta é diferente daquela que tinhas quando escreveste o tema?
Hoje, essa resposta tornou-se menos dura.
Quando escrevi a canção, havia quase uma sensação de desespero nessa frase: «Está bem, então vou ter de fazer tudo sozinha.»
Continuo a acreditar que não podemos transferir para outra pessoa a responsabilidade pela nossa própria vida. Mas isso não significa que tenhamos de estar completamente sozinhos. Podemos aceitar ajuda, amor e apoio, e trabalhar com outras pessoas. Só que a direção e a decisão final continuam a ser nossas.
A realidade pode ser dura e as pessoas podem magoar-nos, mas não podemos assumir a responsabilidade pelas palavras, pensamentos ou ações delas. No início, essa ideia pode assustar, mas, quando a aceitamos como um facto, acaba por ser libertadora. Retira a necessidade de estar constantemente a olhar para a opinião e para a reação dos outros.
Musicalmente, “Who?” começa de forma contida e vai acumulando tensão. Como decidiste que a música precisava de crescer dessa maneira?
Porque o próprio pensamento da canção evolui dessa forma.
No início, é mais uma pergunta, uma conversa interior, até alguma confusão. Mas essa ideia vai sendo repetida vezes suficientes para deixar de ser apenas uma pergunta e transformar-se quase numa ordem dirigida a mim própria.
Era importante para mim que o arranjo não acompanhasse simplesmente a letra, mas que percorresse o mesmo caminho. Por isso, o espaço vai ficando mais denso, a voz mais dura e a tensão aumenta. No final, o estado emocional já é completamente diferente daquele que existe no início.
A guitarra elétrica e o saxofone introduzem texturas bastante diferentes da base eletrónica. O que procuravas criar com essa combinação?
Gosto do choque entre elementos que, à partida, talvez nem devessem existir juntos.
A base eletrónica de “Who?” é bastante controlada e fria. Os instrumentos ao vivo tornam-na menos estável. A guitarra acrescenta uma textura física, quase áspera, enquanto o saxofone, para mim, é um instrumento muito corporal e íntimo: ouvimos literalmente a respiração humana dentro dele.
Não queria utilizá-los como elementos decorativos sobre uma faixa eletrónica. Queria que perturbassem ligeiramente a superfície da música.
Ao mesmo tempo, o som final da canção deve muito ao meu parceiro e produtor, ED universe. É ele quem reúne todos estes elementos num único espaço sonoro.
A tua voz também muda ao longo da faixa, passando de uma interpretação mais íntima para momentos mais ásperos. Essa transformação foi pensada desde o início ou surgiu durante a gravação?
A direção geral estava clara desde o início: eu sabia que não queria cantar toda a música com a mesma voz, nem permanecer no mesmo estado emocional.
Mas os momentos específicos, o grau de agressividade, a aspereza e o growl apareceram durante o processo. Quando gravámos a voz, percebemos que, a determinada altura, uma interpretação bonita e controlada simplesmente deixava de corresponder ao que estava a acontecer dentro da música.
Interessa-me mais uma voz que, por vezes, se quebra um pouco juntamente com a personagem do que uma interpretação perfeitamente uniforme do início ao fim.
Como funciona a colaboração entre Julia June e ED universe no estúdio? Existe uma divisão clara de funções ou o processo é mais intuitivo?
Existe uma certa divisão, mas não é rígida.
Eu chego com a canção, a melodia, a letra, a lógica vocal e emocional, com uma ideia clara do tema, do estado que quero alcançar e dos instrumentos que imagino dentro daquela música.
ED universe trabalha como produtor e tem uma influência muito grande naquilo que se torna o corpo físico da canção: o som, o ritmo, o espaço e a dinâmica. Quando é necessário, grava também instrumentos ao vivo, como guitarra, partes de bateria e backing vocals.
Mas, a partir daí, o processo torna-se muito menos linear. Reagimos muito ao que vai surgindo durante o trabalho. Um pequeno detalhe pode alterar completamente a decisão seguinte. Portanto, existem áreas de responsabilidade diferentes, mas nunca sentimos que cada um está fechado no seu próprio espaço.
Vivemos em países diferentes e eu vou ter com o Eliot duas ou três vezes por ano, normalmente apenas durante algumas semanas. Sou russa, nasci em Chukotka, mas atualmente vivo na Bielorrússia. Por isso, as viagens para países da União Europeia exigem bastante preparação da minha parte e são sempre planeadas com antecedência.
Quando estamos juntos, trabalhamos de forma muito intensa e gravamos várias músicas num curto período de tempo. Depois, o Eliot continua a desenvolver o som, enquanto eu trabalho, em paralelo, no universo visual do projeto, no conteúdo e em tudo o que envolve cada lançamento.
Quando começaram a trabalhar juntos, o que descobriram musicalmente um no outro que não esperavam?
Uma das maiores descobertas para mim foi perceber quão pouco a língua pode importar quando duas pessoas realmente se entendem através da música.
Quando trabalhámos no nosso primeiro EP, “TOTALLY”, em 2021, nenhum de nós falava realmente inglês nem a língua do outro. Mas a sinergia que encontrámos durante a criação da música tornou-se o núcleo que nos mantém ligados até hoje.
Podíamos não ter palavras suficientes para explicar uma ideia em detalhe, mas, de alguma forma, compreendíamos o que precisava de acontecer com a canção.
“Who?” cruza eletrónica, alt-pop e rock alternativo sem ficar completamente dentro de nenhum desses géneros. É importante para ti manter essa liberdade de não pertencer a uma categoria específica?
Muito.
Quanto mais avanço, menos me apetece começar uma canção com a pergunta: «Que género estou a fazer agora?»
Os géneros são úteis como referência, sobretudo quando precisamos de explicar a música a alguém que ainda não a ouviu. Mas, durante o processo criativo, tento não pensar demasiado nisso.
Se uma canção precisa de saxofone, guitarra, growl ou de uma secção eletrónica quase vazia, prefiro escolher aquilo que funciona emocionalmente em vez daquilo que a ajuda a permanecer cuidadosamente dentro de um único género.
Vocês começaram recentemente a apresentar este projeto como duo, combinando voz, eletrónica e bateria ao vivo. O que muda quando estas músicas passam do estúdio para o palco?
Tornam-se muito mais físicas.
No estúdio, podemos controlar o espaço, a dinâmica e cada pequeno detalhe com muita precisão. Mas, em palco, as canções parecem começar finalmente a existir no mundo real. Ganham volume físico, corpo, respiração e a reação de outra pessoa. A música começa a resistir um pouco ao controlo.
Gosto muito disso.
O nosso live é atualmente construído em torno da voz, da eletrónica e da bateria ao vivo de ED universe e, por isso, algumas canções parecem mais pesadas e intensas em palco do que nas gravações.
Para mim, um concerto não deve ser uma reprodução exata de um ficheiro do Spotify.
Há algum aspeto da experiência ao vivo que já esteja a influenciar a forma como estás a escrever ou produzir música nova?
Sim. Passei a pensar muito mais frequentemente no que acontece fisicamente com uma canção: que tipo de performance poderia existir à sua volta, o que poderia acontecer atrás de mim em palco ou se determinada música precisa de um músico de sessão adicional para desenvolver melhor o seu som ao vivo.
Já não penso apenas se uma determinada parte soa bem nos auscultadores, mas também no que vai fazer ao espaço. O que acontece quando a bateria está realmente ao nosso lado, quando a voz passa por um sistema grande e quando surge uma diferença física real de energia entre um momento muito silencioso e outro muito intenso?
Depois de começarmos a trabalhar no live, passou a interessar-me mais deixar espaços dentro da música que possam crescer em palco, em vez de preencher cada centímetro do arranjo em estúdio.
“Who?” faz parte do material que está a conduzir ao próximo EP. O que podes revelar sobre a direção musical desse novo trabalho?
Acho que o novo material está gradualmente a tornar-se mais coeso, embora as músicas possam ser bastante diferentes entre si.
A base continua a ser electronic alt-pop, mas existe cada vez mais contraste entre o eletrónico e o orgânico, mais espaço para instrumentos ao vivo, decisões vocais mais agressivas e elementos que não têm necessariamente de soar «confortáveis».
Neste momento, interessa-me muito o equilíbrio entre algo cinematográfico, íntimo e ligeiramente perigoso. Não acredito que seja fácil descrever o EP com uma única palavra de género, e isso deixa-me bastante contente.
Este novo conjunto de canções continua a explorar temas pessoais ou sentes que o projeto está agora a abrir-se para outras histórias e perspetivas?
O ponto de partida pessoal continua a existir.
Mas interessa-me cada vez menos relatar literalmente a minha própria vida. Mesmo quando uma canção começa a partir de um acontecimento ou emoção muito específicos, tento depois preservar o estado emocional e não escrever uma página de diário.
Por isso, o material continua a ser pessoal, mas tornou-se menos literal. Ao mesmo tempo, começa a surgir um fio condutor: a procura, a observação e a tentativa de perceber como distinguir a realidade daquilo que nós próprios inventamos sobre ela.
Se comparares Julia June no início deste projeto com Julia June hoje, o que mudou mais: a música, a confiança ou a forma de veres o teu próprio processo criativo?
Provavelmente, a minha relação com o processo. E foi daí que nasceu a confiança.
Antes, passava muito mais tempo a tentar perceber se estava a fazer tudo «corretamente»: como me apresentava nas redes sociais, como posicionava o projeto, se a música era suficientemente parecida com determinado género, se o público iria compreender, se era sequer permitido combinar determinadas coisas.
Tudo mudou com o nosso primeiro concerto. Em determinado momento, deixei de tentar desesperadamente ver-me a mim própria de fora e simplesmente passei a estar dentro daquilo que estava a acontecer. E recebi do público uma resposta que, aparentemente, era precisamente aquilo que me tinha levado a começar a fazer música.
É paradoxal, mas, quando deixamos de tentar constantemente parecer convincentes, passamos a sentir muito mais confiança.
Para 2027, estão a procurar concertos, festivais e programas de música ao vivo. Que tipo de espaço ou contexto sentes que melhor representa este projeto neste momento?
Neste momento, os contextos ideais para nós são aqueles em que um concerto não é visto apenas como uma sequência de músicas, mas como um estado completo.
Festivais alternativos e eletrónicos, showcases, espaços de clube, eventos de arte e música, bons support slots e formatos live filmados ou híbridos. O nosso set é bastante compacto, com cerca de 20 a 30 minutos, por isso conseguimos ser muito flexíveis.
Ao mesmo tempo, não quero limitar demasiado as possibilidades. Em 2027, estamos realmente abertos a propostas muito diferentes. Às vezes, o contexto mais interessante acaba por ser precisamente aquele que não parecia óbvio à partida para a nossa música.
Depois de “Who?” e antes da chegada do EP, o que gostarias que as pessoas percebessem sobre Julia June que talvez ainda não tenham percebido?
Que, para mim, a música e a linguagem visual estão definitivamente a deixar de ser duas coisas separadas.
Não quero ser uma artista que lança uma canção e depois inventa algumas imagens bonitas para a acompanhar nas redes sociais.
Interessa-me muito mais imaginar que a própria música é capaz de alterar o espaço à sua volta. Que o som pode entrar nos objetos, na luz, na imagem, no comportamento de uma pessoa dentro do enquadramento e que, a partir daí, começa a nascer um único mundo.
Em “Who?”, é um escritório normal onde alguma coisa começa a correr mal. Mas, para mim, o mais importante não é especificamente o escritório, as mãos negras ou os crachás. É o princípio por detrás disso: o mundo visual deve ser uma consequência da música e não apenas uma decoração à sua volta.
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